©2014

 Dave  Milligan  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
A  brief  introduction  to  

WRITING  FOR  RHYTHM  SECTION  

 
 
 
 
By  Dave  Milligan  
 
 ©2014  Dave  Milligan  

INTRODUCTION  
The  rhythm  section  is  a  curious  thing  when  it  comes  to  composing  music.  In  the  world  of  
twentieth  and  twenty-­‐first  century  popular  music  it  is  largely  what  we  identify  as  the  core  of  
almost  any  band.  Chordal  instruments  such  as  guitar  and  piano;  bass  guitar  or  double  bass;  
drums  and  percussion  –  they  have  all  become  recognisable  to  us  as  rhythm  section  instruments  
for  the  role  they  have  played  in  countless  forms  of  music  over  the  last  hundred  years.  

This  tutorial  deals  with  the  rhythm  section  in  the  context  of  folk  and  traditional  music,  but  also  
applies  to  world,  indie,  jazz,  rock  or  just  about  any  other  genre  from  the  endless  list  that  exists  
outside  the  classical  music  establishment.  That’s  not  to  say  that  it  doesn’t  apply  to  classical  music,  
just  that  it  is  less  relevant  in  my  experience.  As  this  is  intended  as  a  brief  introduction,  it  focuses  
on  bass,  guitar,  piano  and  drums.  Of  course  there  are  many  other  instruments  that  can  be  
considered  part  of  the  rhythm  section,  such  as  bouzouki,  harp,  mandolin,  cello,  accordion  and  a  
myriad  of  percussion;  but  much  of  what  is  discussed  is  applicable  to  any  of  these  instruments.  

*    *    *    *  

When  someone  who  is  interested  in  folk  and  traditional  music  learns  to  play  a  rhythm  section  
instrument,  it  would  appear  that  it  is  natural  to  learn  to  be  creative  as  part  of  learning  the  
rudiments  and  mechanics.  

They  don’t  just  learn  the  notes  and  how  to  read  music;  Guitarists  and  piano  players  must  learn  
chords,  different  ways  of  voicing  chords,  how  to  ‘vamp’,  how  to  accompany  in  different  styles.  
Bass  players  learn  to  create  bass  lines  and  patterns  having  only  a  harmonic  structure  for  
reference.  Drummers  create  rhythms  and  grooves  based  on  what  they  hear  other  musicians  
playing.  And  they  get  so  good  at  it,  why  would  we  bother  to  write  anything  for  them  when  they’ll  
naturally  and  instantly  come  up  with  something  better?    

Well,  if  it’s  truly  the  case  that  they  will  come  up  with  something  better  than  you  -­‐  then  sure,  
don’t  bother!  But  hang  on  a  minute…  Who  is  it  that’s  getting  paid  to  write  the  music?  And  isn’t  
that  your  name  on  the  score  as  the  composer,  even  though  the  rhythm  section  are  essentially  
going  to  write  their  own  parts?    

Well,  that’s  a  querulous  issue  that  musicians  have  argued  over  for  a  long  time.  Personally,  I  think  
it’s  about  finding  a  balance.  I  often  write  for  musicians  who  are  great  improvisers  and  very  
creative  rhythm  players.  I  choose  to  use  them  for  that  very  reason  so  naturally  I  want  to  allow  
them  the  freedom  to  do  what  they  do  best.  As  a  player  performing  someone  else’s  music,  I  like  
to  know  exactly  what  the  composer  wants  to  hear  but  I  also  love  being  given  space  to  expand  
and  improvise.  However,  as  a  composer,  I  feel  that  I  have  to  think  further  than  that.  

I  think  if  you  are  committed  to  composing,  then  you  have  to  be  serious  about  your  product.  And  
to  me,  that  means  striving  to  create  music  that  can  exist  beyond  that  initial  performance;  that  
can  be  performed  by  other  players  who  perhaps  won’t  have  the  same  set  of  skills;  that  can  be  
performed  without  you.    

 
 
 
 ©2014  Dave  Milligan  
Many  of  us  are  lucky  enough  to  work  with  creative  musicians  who  are  willing  to  put  in  the  time,  
contribute  ideas  and  adapt  their  parts  to  help  realise  a  new  piece  of  music.  Not  all  musicians,  
however,  are  like  this.  Some  don’t  know  how,  some  just  won’t  because  they  think  it’s  your  job  to  
write  the  music.  Chances  are,  as  a  composer  you  will  encounter  all  kinds.  One  thing  you  can  do  to  
ensure  your  music  gets  played  well:  don’t  leave  anything  to  chance.  Write  the  music  you  want  to  
hear.  

In  the  world  of  classical  ensembles,  chamber  groups  and  orchestras,  I  think  there  is  a  perception  
that  composing  music  can  only  be  done  well  with  academic  training  and  the  study  of  
composition  as  an  art  form.  While  this  may  or  may  not  be  true,  it  is  interesting  to  note  that  in  the  
world  of  Scottish  traditional  and  folk  music,  there  are  very  few  writers  who  have  seriously  
studied  composition.  Which  can  only  be  a  good  thing,  right?  Surely  that  will  help  to  break  from  
convention  and  produce  more  adventurous  music?  Perhaps…  Another  debatable  topic,  but  not  
one  we  need  get  in  to  here.  

So  here’s  a  pretty  familiar  scenario  in  my  experience:    

• Aspiring  Composer  is  asked  to  write  a  piece.    

• A.C  chooses  the  musicians  they’d  like  to  perform  their  music;  they  are  all  creative  players  
who  put  something  of  their  own  personalities  into  everything  they  do;  some  of  them  
don’t  even  read  music.    
• A.C  spend  a  couple  of  months  composing.  
• First  rehearsal,  and  all  the  ‘lead’  players  get  pretty  specific  parts.  
• The  piano/guitar/bass  players  get  a  chord  chart.    
• The  drummer  gets…  well,  maybe  a  1st  violin  part  if  he’s  lucky.  

This,  of  course,  can  all  be  fine.  I’ve  heard  some  great  music  that  has  been  put  together  this  way.  
But  what  happens  to  that  music  after  you’ve  performed  it?  As  a  composer,  why  wouldn’t  you  
want  your  music  to  be  available  to  be  performed  by  other  groups?  There  are  countless  schools,  
colleges,  universities,  even  professional  groups  all  over  the  world  that  are  constantly  looking  for  
new  music  to  play.  Once  that  all-­‐important  debut  performance  is  over,  don’t  let  all  the  work  you  
put  in  sit  in  a  drawer  or  on  a  hard-­‐drive.  Even  if  you  have  written  for  a  group  of  specific  players  or  
even  an  unusual  combination  of  instruments,  it’s  not  a  huge  amount  of  work  to  adapt  your  
composition  to  fit  more  ‘conventional’  ensembles;  anything  from  duets,  trios  and  string  quartets  
to  concert  bands,  brass  bands  and  chamber  orchestras.  There  are  endless  music  libraries  and  
sheet  music  download  websites  out  there  –  but  you  have  to  go  that  bit  further  to  make  it  happen.  
It  makes  no  more  sense  to  me  than  spending  a  week  in  the  studio  recording  a  great  album,  but  
not  releasing  it.    
 

TWO  GENERAL  POINTS  

1.  Ask!  It  really  is  absolutely  fine  to  not  know  how  to  do  something.  Ask  someone  who  does  
know.  Make  the  time  to  write  your  parts  properly  –  it  will  save  you  lots  of  time  in  rehearsals.  
 
2.  Use  your  full  musical  vocabulary.  Whether  you  like  Stevie  Wonder,  Steve  Cooney,  Steve  
Reich  or  Steven  Sondheim  don’t  be  shy  about  using  things  that  have  influenced  you.  If  
you’re  not  sure  how  to  write  something  like  that,  then  refer  to  point  1.  

 
 ©2014  Dave  Milligan  

WRITING  FOR  BASS  

 
Open  strings  and  range  of  the  double  bass  &  bass  guitar  in  standard  tuning:  

 N.B.  The  bass  sounds  one  octave  below  the  written  part.    

Styles,  grooves  and  patterns  can  vary  greatly  from  one  genre  to  another.  One  of  the  things  that  
will  increase  your  capacity  to  write  well  for  bass  is  to  expand  your  vocabulary.  Some  knowledge  
of  different  players,  different  styles,  and  different  genres,  can  be  a  huge  benefit.  

 
Let’s  say  we  have  a  simple  chord  sequence.  Here’s  an  example  of  how  you  might  write  it  out  in  a  
way  that’s  readable  for  all  chord  instruments:

 
 
Without  thinking  about  what  the  bass  player  might  actually  play,  I’ve  seen  many  composers  add  
in  only  the  root  notes  of  each  chord.  

*This  is  useful  in  enabling  them  to  hear  the  harmony  when  playing  back  the  score  in  notation  
software  such  as  Sibelius;  however,  with  no  other  direction  on  the  part  a  player  will  most  likely  
play  exactly  what’s  written.  It’s  really  worth  going  further  and  making  the  part  more  distinct.    

 
Here  is  an  example  of  how  you  might  add  some  simple  rhythm  and  shape  to  the  part:

 
And  to  take  it  a  stage  further,  adding  a  little  more  rhythmic  interest:  

 
 ©2014  Dave  Milligan  

WRITING  FOR  GUITAR  

 
Open  strings  and  range  of  the  guitar:  
 

 
 
The  guitar  sounds  one  octave  lower  than  written.    If  you  want  your  guitarist  
to  play  middle  C,  you  must  notate  it  one  octave  higher:  
 
 
 
If  you  have  less  experience  writing  for  guitar  (or  any  instrument  for  that  matter),  then  do  take  
advice!  Ask  guitarists  who  read  music.  And  even  ask  those  who  don’t  read  music  –  find  out  what  
sort  of  things  are  useful  for  them  to  see  when  learning  a  new  piece.  There  are  also  many  great  
books,  online  resources  and  tutorials  about  the  specifics  of  techniques  and  styles  of  guitar  
playing.  But  here  are  a  few  basic  things  to  consider.    
 
We’ll  go  through  the  same  process  of  a  simple  chord  progression  as  we  did  with  the  bass.  Here’s  
the  same  example  of  how  you  might  write  it  out  in  a  way  that’s  readable  for  all  chord  
instruments:  
 

 
 
 
 
The  same  sequence  with  notated  basic  guitar  voicings:    

*Note  the  use  of  chord  diagrams  –  this  can  be  helpful  for  less  experienced  players  or  beginners.  
 
 
 
 
 ©2014  Dave  Milligan  
 
 
So,  as  an  example  of  what  the  guitar  might  play  over  this  sequence,  we  can  add  some  rhythmic  
parts,  using  the  same  voicings  as  before.  

 
 
 
You  can  give  the  guitarist  the  same  rhythmic  pattern  to  play  but  leave  the  choice  of  voicings  
open  by  using  slashes.

*You  can  also  indicate  a  specific  melodic  or  ‘voice  leading’  line  as  shown  in  the  fourth  bar.  
 
 
 
 
 
As  a  rule,  I  use  slashes  to  indicate  strumming  –  that  is  fairly  common.  If  you  want  the  guitar  to  
play  fingerpicked  patterns  it  can  be  exactly  noted  like  this:  

 
 
…Or  you  can  leave  the  noteheads  blank  and  notate  just  the  rhythm,  allowing  the  guitarist  to  
choose  their  own  voicings  

 
 
 
 
 
 
 
TAB  v  NOTATION  
It  is  becoming  more  and  more  common  these  days  for  Guitarists  to  only  read  TAB.  
Personally,  I  always  write  scores  in  standard  notation  and  convert  parts  to  TAB  if  and  when  
needed.  It’s  easily  done  in  Sibelius  or  in  any  other  scoring  software.    
 
 ©2014  Dave  Milligan  

WRITING  FOR  PIANO  

One  crucial  thing  non-­‐pianists  can  do  when  writing  for  piano  is  to  ensure  that  the  music  is  
playable.  It’s  worth  taking  the  time  at  a  piano  or  keyboard  to  check  what  you’ve  written.  Or  take  
advice  from  a  piano  player.  I  have  been  faced  with  many  piano  parts  that  are  physically  not  
possible  to  play,  an  issue  that  compromises  the  composer’s  intentions  and  takes  up  valuable  
rehearsal  time  in  trying  to  fix.  
 
Once  again,  in  general  terms  there  are  many  books  and  seemingly  infinite  resources  on  line  that  
may  help,  but  here  are  a  few  fundamental  things  to  consider.  
 
 
HAND  SPAN  
One  of  the  most  common  challenges  non-­‐pianists  encounter  when  composing  for  piano  is  
knowing  how  to  write  chords  or  voicings  that  sit  comfortably  under  the  hands.    
Here  is  a  simple  fact  that  may  seem  obvious,  but  worth  remembering:  The  gap  between  the  
thumb  and  the  index  finger  is  wider  than  the  gaps  between  the  remaining  fingers.  
 
 

 
A  voicing  with  adjacent  notes  at  the  bottom,  to  be  played  by  thumb  and  index  finger  (such  as  the  
first  two  chords  in  Fig.2  above)  is  difficult  to  play  if  there  is  also  a  wide  gap  between  the  index  
and  little  fingers.    Not  necessarily  impossible,  just  more  difficult.      
 
 
Another  simple  fact  that  may  seem  obvious,  but  also  worth  remembering:  The  left  hand  mirrors  
the  right  hand  (and  vice  versa).  
 
All  of  the  above  applies  to  the  left  hand,  but  in  reverse  so  that  any  gaps  between  the  thumb  and  
index  finger  will  be  at  the  top  of  the  voicing.  
 

 
 
Perhaps  the  sound  you  want  can  only  be  achieved  by  writing  an  awkwardly  spaced  voicing  like  
this,  but  be  aware  that  if  this  is  featured  heavily  in  your  writing,  pianists  are  likely  to  regard  it  as  
unidiomatic  writing  and  be  less  inclined  to  perform  it.  
 
 
 ©2014  Dave  Milligan  
 
 
REGISTER  
The  piano  has  a  far  wider  range  than  most  instruments  and,  like  any  other  instrument,  a  
composer  wants  to  be  able  to  utilise  its  full  capabilities.  When  writing  for  the  extreme  upper  
register  (such  as  Fig.  1  &  Fig.  2  below)  or  lower  register,  it  is  important  to  be  aware  of  how  
readable  the  notation  is.  
 
 

 
 
 
 
 
WITHOUT  FULLY  NOTATING  
If  you  are  writing  for  a  pianist  who  improvises  or  you  wish  him  or  her  to  play  
accompaniment/vamping  style,  then  the  use  of  slash  bars  and  chord  symbols  is  very  common.  
Much  of  what  was  discussed  in  the  ‘writing  for  guitar’  section  applies  to  writing  for  keyboard  
instruments,  but  with  two  staves  you  can  spread  the  information  out  a  little:  
 
 

 
As  you  can  see  in  the  above  example,  you  can  write  a  melodic  line  that  you  want  the  pianist  to  
play,  but  by  marking  only  slashes  and  chord  symbols  in  the  lower  stave  with,  you  leave  the  
pianist  free  to  make  his  own  voicings  and  rhythms.  It  is  possible  to  mark  key  rhythmic  phrases  
(2nd  bar)  that  might  be  played  by  the  rest  of  the  group;  you  can  add  melodic  elements  at  any  
point,  such  as  a  doubled  bass  line  (3rd  bar);  an  exact  rhythmic  phrase  without  specifying  the  
voicing  (4th  bar,  bass  clef)  or  an  exact  rhythmic  phrase  with  an  indication  of  the  upper  structure  
of  the  chord  (4th  bar,  treble  clef).  
 
 
It  is  always  useful  to  put  information  on  the  part  about  what  is  happening  elsewhere  in  the  music  
(such  as  the  Play  w/  flute  instruction  etc.).  If  you  are  expecting  the  pianist  to  ad  lib  or  improvise,  
then  give  all  the  information  needed.  If  you  are  only  going  to  write  chord  symbols  and  nothing  
else,  then  only  single  staffs  are  needed,  much  like  a  guitar  part.  
 
 ©2014  Dave  Milligan  

WRITING  FOR  DRUMS  &  PERCUSSION    

 
Notation  for  drums  and  percussion  can  vary  a  great  deal  from  arranger  to  arranger  and  from  
composer  to  composer.  Some  writers  have  even  created  their  own  symbols  in  an  effort  to  cater  
for  the  huge  array  of  percussion  instruments  and  techniques.  
 
In  most  written  drum  music,  the  lines  and  spaces  of  a  standard  5-­‐line  music  staff  are  used  to  
define  the  various  drums  of  a  kit.  For  simpler  parts  (for  example,  a  kick  and  snare  pattern)  a  1  or  
2  line-­‐line  staff  may  be  used.  Non-­‐kit  percussion  instruments  can  be  notated  on  any  of  these  staff  
types.    
 
In  some  cases,  particularly  if  writing  less-­‐conventional  drum  parts,  the  writer  can  provide  a  guide  
defining  the  meaning  of  each  line  of  the  staff  and  the  significance  of  the  different  note  heads  and  
symbols.  As  long  as  the  parts  are  presented  in  a  clear  way  that  is  familiar  to  a  drummer  or  
percussionist  there  shouldn’t  be  any  problems.  

One  of  the  important  things  to  remember  is  that  there  isn’t  a  completely  right  or  wrong  way  to  
write  drum  parts;  but  there  are  good  and  bad  ways!    

In  general,  this  guide  follows  the  standards  set  out  in  Norman  Weinberg’s  Guide  to  
Standardized  Drumset  Notation.    

 
 ©2014  Dave  Milligan  
 
SOME  BASIC  RULES  FOR  MAKING  PARTS  EASIER  TO  READ  
 
If  the  drums  are  playing  time,  a  groove,  vamp  -­‐  whatever  you  might  call  it  –  then  you  can  denote  
any  given  bar  with  slashes,  like  this:  

 
This  also  gives  the  player  freedom  to  add  their  own  variations.  

You  can  also  add  rhythmic  figures  other  instruments  are  playing  that  you  may  want  the  drums  to  
phrase:  

 
 

Another  thing  to  bear  in  mind  is  that  in  situations  where  the  drums  are  playing  a  repeated  
pattern  or  groove  for  extended  periods  –  say,  16  bars  –  it  can  be  pretty  confusing  to  just  have  the  
same  pattern  notated  bar  after  bar  after  bar…  

 
In  the  above  16-­‐bar  example,  the  one-­‐bar  pattern  doesn’t  change  yet  the  first  stave  has  2  bars,  
the  second  has  5,  and  so  on…  It  doesn’t  make  it  easy  to  follow.  

 
 ©2014  Dave  Milligan  
If  the  music  sits  in  common  phrase  lengths  (i.e.  4,  8,  16  bars  etc.)  then  try  to  fit  the  number  of  
bars  to  a  stave  accordingly  and  use  repeat  bar  symbols  instead  of  notating  it  all  again  and  again.  
For  example:  

 
Note  the  use  of  numbers  after  every  4  bars  –  this  allows  the  player  to  see  phrase  lengths  at  a  glance,  and  
is  useful  if  you  need  to  put  greater  bar  numbers  to  a  system.  

 
To  take  it  a  stage  further,  you  could  reduce  the  number  of  staves  now  the  information  has  been  
simplified:  

 
 
And  if  the  part  really  is  this  simple,  or  if  you  want  the  player  to  have  freedom  to    
ad  lib,  you  could  even  write  the  pattern  for  one  bar  and  reduce  the  remaining  15  bars  to  a  
multirest,  giving  an  instruction  to  continue  playing,  like  this:  

 
 
It’s  important  to  bear  in  mind  that  drummers  need  to  know  what’s  going  on  in  the  music  as  
much  as  anyone  else.  If  you’re  looking  for  the  drums  to  just  play  a  ‘groove’,  then  sometimes  a  
lead  sheet  with  the  melody  or  any  vamps  or  patterns  can  be  more  helpful  than  just  endless  
bars  of  repeated  notation  with  no  other  information.  But  it  is  worth  putting  in  the  time  to  
make  a  specific  drum  chart!  
 ©2014  Dave  Milligan  
 
A  SUMMARY  –  (AND  SOME  THINGS  TO  REMEMBER…)  
 
 
MAKE  IT  EASY  TO  READ!  
Unclear  layout;  poor  spacing  and  alignment;  symbols  overlapping  staves  etc.  –  it  all  makes  for  
difficult  reading!  Try  and  think  about  what  will  make  the  most  sense  when  reading  the  part  for  
the  first  time.    

 
BE  CONSISTANT  
Use  the  same  symbols  consistently.  Some  musical  symbols  have  more  than  one  meaning,  so  be  
clear  about  which  ones  you  are  using  and  what  they  mean.  And  try  and  keep  the  layout  and  
format  the  same  throughout  the  part.  

 
GIVE  THEM  ALL  THE  INFORMATION…  
It’s  very  common  to  end  up  with  a  part  with  lots  of  repeated  bars  and  long  sections  with  no  real  
clues  as  to  what’s  going  on.  Make  it  easier  reading  by  giving  ‘signposts’  as  to  what’s  happening  
with  the  rest  of  the  band.  And  don’t  be  afraid  to  make  your  score  a  little  more  personal.  I  think  
many  musicians  respond  better  to  an  instruction  like  “Go  for  it!”  than  to  something  like  “Con  
brio”.  

 
WHO’S  ON  THE  GIG?  
It’s  not  always  the  case  that  you  know  whom  you’re  writing  for  but  if  you  do,  then  write  to  his  or  
her  strengths.  As  discussed  earlier,  it’s  important  that  you  write  a  part  that’s  readable  by  any  
player,  but  if  your  music  is  written  specifically  for  certain  musicians  then  think  about  what  it  is  
they  do  best  and  let  them  shine!  

 
DON’T  RELY  ON  THE  COMPUTER  
Computers  are  great.  But  they  don’t  always  get  it  right.  These  days,  scoring  software  like  Sibelius  
has  an  incredible  array  of  plugins  and  facilities  that  ‘automate’  tasks.  For  example,  it  can  decide  
what  the  chords  are  by  analyzing  the  voicings  used;  or  it  can  ‘arrange’  a  piano  part  into  multiple  
string  parts.  Don’t  do  it.  It’s  unreliable,  it’s  lazy,  and  it’s  not  you  writing  the  music.