Appendix A

Reference Recording + Reflection

As a performer, the connection that exists between music and image is of necessary importance to me.

Since the beginning of my musical career, I have been fascinated by the creative process that leads the
performer to recreate mental images while studying or playing a piece of repertoire music.

From early age, I grew up surrounded by paintings and masterpieces of figurative art of all kinds, due to my
family background; most probably this has influenced me to constantly associate images and colours to the
music that I interpret.

Therefore, already during my Bachelor's degree in my home country, I had started investigating
synaesthesia and classical music works that had synaesthetic metaphors, with a focus on the guitar
repertoire.

What I aim to do with my research is to report on the artistic experimentation behind the creation of a
performance that brings together a classical guitarist and a painter.

My work will be to research the creative process behind the success of the final performance.

I will document how working in synergy between music and painting during the studio sessions influenced
the success of the final performance.

The end result will be the production of a video recording in which the painter and I will communicate
artistically.

The final production will be performed at the end of the creative process, after a series of rehearsals and
exchanges over the year.

The field of synesthesia has been full of misunderstandings, including my own.

Although an increasing number of exhibitions, books and articles have used the title or subtitle 'Synesthesia
in Art and/or Music', few of these adequately define synesthesia. In fact, some do not address the issue at
all. The main cause of the problem is that historians and curators of art and music, as well as artists and
composers themselves, have confused the desire to mix various art forms with the phenomenon of true
synesthesia.

We must distinguish between synaesthesia as an artistic programme, which we might call a synaesthetic
metaphor, and synaesthesia as a physiological diagnosis, as a genuine biological condition.

People with synaesthesia experience the ordinary world in quite extraordinary ways.

So they might, for instance, connect the auditory parts of the brain with the visual parts of the brain in a
way that other people don't normally, but there's one claim in that we all had synaesthesia at one point of
our life and that's when we looked like this - when we were infants.

So one suggestion is that we're all born with synaesthesia and most people lose it as part of the normal
maturation process.
And we may not all fully lose synaesthesia entirely; we're all able to link our senses together, and
synaesthesia reveals the rules by which we can understand the links between vision and music.

And this has important implications for arts, Vasijl Kandinsky for instance.

So nobody knows whether Kandinsky was a synaesthete or not.

Synaesthesia was well documented at the time he was producing his artwork.

And what Kandinsky wanted is that people should understand his artwork not solely through the visual
medium, but they should understand it more as a multi-sensory kind of gestalt that encompasses all the
different senses.

It turns out that there's a whole set of rules for linking vision and music together, and we can analyze this
by looking at the experiences of synaesthetes, and a lot of them are present from the early stages in infants
too.

So, for instance, if you're a synesthete, listening to a high-pitched sound relative to a low-pitched sound, a
high-pitched sound is going to be brighter, it's going to be smaller, it's going to be higher up in space, and
it's going to be more jaggedy.

And most synaesthetes tend to have these principles, although they might differ in exactly how it's
experienced.

The synesthete probably has a richer, more vivid kind of vocabulary for matching this,but other people use
the same rules as well.

For me, I think one of the most profound things that synaesthesia tells us is that there really are multiple
ways of experiencing the world.

Time-Space Problem

If painting and music do not converge by means of growing similarity, they do meet in a third dimension:
both are language.
Music and painting become writing through their renunciation of the communicative, which is precisely the
element, in both media, that is in truth unlinguistic, because it suggests what is merely subjectively desired.

The very materials of the two languages converge in a single direction.

In music, perhaps following the example of musical notation, we inevitably speak of line, with the
compelling paradox that precisely its temporal dimension can only be fixed as spatial, that is, graphically.
We also speak of volume, this time in the sense of the real fact that music, always appearing in space, also
always possesses formal spatial qualities. On the other hand, in painting, concepts such as chromatic
harmony and dissonance are not mere metaphors, if only because of the complementary colours. In
painting, tension within the moment cannot be named otherwise than musically, i.e. with temporal
expressions. However, music, as something that by empirical necessity occurs in space, can probably be
related to space more convincingly than painting to time.
The convergence of the various media becomes evident through the emergence of their character as
language.
So, the relationships of music and painting are not only relationships of their means, but also of their
materials and the two are always, inescapably mediated in each other touches on the phenomenon of
convergence.

Spatial Art: The order in which we experience a spatial work is primarily determined by ourselves; it may or
may not respond to the work’s structure (which is unaffected by our choice of order). What is true of the
order is true too for the amount of time spent with any particular part of the work. The spatial work of art is
experienced only after it is created, when it already is. By definition this performance is over by the time we
experience the work., though a faint echo of the performer is left inside ourselves as we choose the order
in which to experience the work. A spatial work is created once. A spatial work is bounded by space but
has no “beginning” or “ending” in space (there is no unique direction to space) and is never “over”.

The special presence of a spatial work is itself the work (though this is least so with painting, which lies
nearest on the spectrum to the temporal arts). the spatial work leaves itself behind in space.

Temporal Art: The order in which we experience a temporal work of art is inherent in the work and is
synonymous with its structure. The temporal work of art is experienced only as it is re-created, as
it becomes. temporal arts achieve freedom within time. Temporal arts are re-created in time in our
presence through a performance. A temporal work must be re-created over and over. A temporal work is
bounded by time: it has a beginning and an ending. In a temporal work, there is no spatial presence or
spatial entity that may be said to be the equivalent of the work itself (the dancer is not the dance; the
scenery is not the play). A temporal work leaves behind it a spatial residue in the form of a book or a score.

Appendix B
Exploratory Interviews
Carlo Marchione Interview

F: Maestro, la mia idea per il Mater Project è quella di creare una performance in cui musica e pittura si
“esibiscono” insieme. Secondo Lei può funzionare?

C: Beh, sicuramente. È un progetto molto interessante. Come mai ti è venuta questa idea?

F: In realtà sono sempre stata affascinata dal mondo della pittura e dell’arte figurativa in generale.

Poi, da quando ho ascoltato i Quadri a un’Esposizione di Musorgskij la voglia di comprendere questo mondo
è cresciuta sempre di più in me.

C: Si tratta di un tema sicuramente affascinante.

F: Maestro, ma Lei cosa ne pensa dell’idea di poter collegare il linguaggio musicale con quello pittorico?

C: Sicuramente la commistione fra le arti è una cosa fantastica già di per sé. Inoltre se ci pensi, fin dai tempi
dei tempi l’uomo ha cercato di collegare le immagini ai suoni.
Il rapporto tra musica e pittura, è da sempre esistito e ogni epoca ha attribuito, allo stesso, un particolare
significato e una propria interpretazione: una traduzione diversificata nel tempo e influenzata dai
movimenti culturali del momento.

C’è chi traduce i colori in musica e chi traduce la musica in simboli.

Pur risalendo al Rinascimento, il tentativo di unificazione tra arti spaziali. cioè pittura, scultura, etc, e arti
temporali, musica e poesia ad esempio, trova nel Novecento la sua massima espressione.

Quelle che, fino ad allora, erano espresse più come associazioni mentali che come analogie pratiche, si
pongono ora alla base di una vera e propria ricerca di mezzi tecnici comuni.

Attraverso nuove scoperte scientifiche e nuove forme d’arte, il mondo del primo Novecento, farà di tali
corrispondenze la base di molte avanguardie ed esperienze artistiche.

Basandosi sull’analogia tra la dinamica del suono e l’intensità della luce, tra la durata dei suoni e il ritmo di
linee e forme, i legami tra arte musicale e arte pittorica si serrano progressivamente.

Inoltre, in una società veloce, liquida, come la nostra, dove ormai siamo assuefatti a mille stimoli sensoriali
diversi e simultanei, l’idea di associazione sensoriale diventa un mezzo di apprendimento, cattura
l’attenzione.

F: Verissimo, soprattutto su quest’ultimo punto ho avuto modo di sperimentare la velocità di

apprendimento e la crescita di entusiasmo attraverso l’insegnamento. Basta associare colori e disegni ai
bimbi che si approcciano allo studio della chitarra e tutto diventa più veloce e interessante per loro.

C: Esatto, non può che essere così.

F: Grazie mille per il suo tempo Maestro.

Interview Maurizio Le Piane

F: Come sai è sarebbe mia intenzione sviluppare un progetto di ricerca, qui al conservatorio di Maastricht,
che abbia come protagoniste chitarra e pittura. Tu cosa ne pensi dell’idea di collegare il linguaggio musicale
con quello della pittura?

M: Nella storia, molti artisti si sono posti il problema della relazione fra il colore e il suono, questo rapporto
fra il suono e colore è iniziato fin dai tempi più remoti.

I primi studi furono attribuiti agli antichi greci, poi nei tempi più recenti nel ‘500 con l’artista Giuseppe
Arcimboldi.

I primi studi relativi alla cosiddetta “Sinestesia” iniziano nell’ottocento, nello studiare in modo più
approfondito la capacità del cervello, nell’attivare più aree sensoriali contemporaneamente rispetto ad un
solo stimolo.

Ovviamente sintetizzando possiamo dire che il rapporto suono – colore, arriva nel primo novecento, con i
pittori d’avanguardia ad uno studio approfondito di questa relazione, il più importante e rilevante che
approfondì questi studi con le sue ricerche attraverso le sue opere , come sai, è Vasilij Kandinskij con
l’astrattismo lirico.
Ora, nella mia esperienza personale mi sono reso conto che le mie opere subivano un’influenza diversa
quando nel mio studio ascoltavo musica, mentre dipingevo.

Il mio ascolto ha sempre prediletto determinati tipi di musica che variano dal classico, al progressive e alla
musica sperimentale.

È da premettere che io ho sempre ascoltato musica che accompagnava e accompagna il mio lavoro di
artista, le mie giornate.

Un giorno, però, è accaduto che il riproduttore musicale, mentre dipingevo una tela, si ruppe.

Bene, quello strano silenzio mi mise a disagio e stranamente non riuscivo a capire come non riuscissi a
concentrarmi; come se improvvisamente i colori vividi che avevo utilizzato fino a pochi minuti prima
avessero perso le loro tonalità, diventando più cupi.

Anche le idee sembravano avere difficoltà ad emergere dalla mia mente.

In quel momento non colsi quello che stavo avvertendo; so solo che smisi, senza una ragione apparente, di
dipingere.

La risposta a ciò che era accaduto l’ebbi il giorno successivo, riparando il riproduttore musicale.

Capii nel momento in cui riaccesi il riproduttore nel mio studio, che davanti a quella tela riacquistai
nuovamente idee e colori, queste si avvolgevano e fluttuavano nell’aria insieme alle note; avvertì,
addirittura, che la stessa opera risentiva della ritmica musicale.

Da quel giorno incuriosito da questa esperienza strana, all’epoca, per me, approfondii, negli anni, questi
studi fra suono – colore; arrivai alla conclusione che il suono , che si esprime attraverso il linguaggio delle
note si può materializzare attraverso le mie visioni, riportandoli come idee e colore nelle mie opere. Presi
così coscienza di ciò che prima facevo in modo spontaneo, senza consapevolezza.

F: È interessantissimo tutto ciò. Diventa ancora più interessante, per me, che ho intenzione di studiare
proprio questo tipo di processo creativo e connessione sensoriale che si viene a creare nella mente
dell’artista. Ti andrebbe di spiegarmi un po’ meglio di questa tua esperienza e di questo tuo ”sentire”?

M: Certo.

Quando ho avuto questa esperienza avevo 18 anni, quindi ancora non ero consapevole di quelle che
sarebbero potute essere le mie potenzialità e fin a dove potessi spingermi attraverso il mio sapere e le mie
personali conoscenze. Ciò però mi ha dato la possibilità di iniziare un percorso di studi dove molte volte la
conoscenza delle cose che apprendi si sovrappone allo stupore delle cose che vivi.

Il fatto di conoscere la storia dell’arte, la letteratura, la musica… fa sì che di conseguenza gli studi che
approfondisci attraverso le tue esperienze sulle tecniche pittoriche, sulla tecnica visiva, sì associ ai suoni,
trovando una relazione con le note, riuscendo a vedere e sentire cose che normalmente non si riescono a
percepire.

Il suono e il colore sono con noi nella nostra vita quotidiana, nel suono e nel colore “generato“ dalle nostre
città dalle mille sfumature dei toni e colori cupi, a quelli più vividi e sfolgoranti.

Ma il suono e colore che riusciamo a percepire in natura è quello più puro, con le tonalità delle più
improbabili e affascinanti, i suoni più fantastici e misteriosi , ascoltare le note del vento e unirlo al colore
cangiante che lo stesso provoca nello spostare le foglie sugli alberi o i fili d’erba , oppure le note delle onde
del mare che con il loro cambio ritmico mutano i colori dell’acqua, sono solo due esempi di ciò che è
espressione e connessione fra suono – colore.

Noi viviamo continuamente immersi in questa esperienza e forse molte volte non rendendoci conto di
quello che potenzialmente è la massima espressione del nostro vivere quotidiano.

Anche mentre camminiamo, parliamo, mangiamo… viviamo questa connessione, pur non rendendocene
conto.

Per un attimo immaginiamo le nostre vite in assenza di suono e colore… che tipo di vita sarebbe?

F: Hai proprio ragione. Non avevo mai pensato alle connessioni audio-visive che esistono così in
porofondità. Grazie, mi stai fornendo tantissimi spunti di riflessione.

E invece, cosa mi dici a proposito dell’idea di creare una perfermance in cui chitarra e pittura comunicano in
tempo reale? Pensi potrebbe funzionare?

M: Ascolta, oggi io ho 62 anni, ancora però non ho capito le mie potenzialità e fino a dove potrei spingermi
attraverso il mio sapere e le mie conoscenze, quindi continuo nel cercare risposte, questo attraverso delle
esperienze che potrebbero in qualche modo colmare le mie domande.

Non saprei dire se una performance con chitarra classica e pittura possa funzionare o meno, generalmente
le risposte le trovi una volta che le cose si concretizzano e le realizzi.

Di sicuro, penso che sia un progetto di alto interesse, che dà la possibilità e l’apertura a nuovi scenari nel
campo della ricerca fra suono e colore, quindi assolutamente qualcosa di positivo,che potrebbe dare delle
risposte inaspettate.

F: Bene, e tu saresti disposto a portare avanti questo progetto con me?

M: Proprio per quanto detto sopra, il mio interesse è massimo nel poter unire la mia esperienza nelle arti
visive , al sapere e l’esperienza nelle arti musicali di una giovane musicista di chitarra classica, quindi
accetto volentieri di poter intraprendere questa esperienza .

F: Grazie mille, non vedo l’ora di iniziare.

Appendix C
Search History:
o On Some Relationships between Music and Painting, Theodor W. Adorno and Susan
Gillespie (article)
o The Curious World of Synaesthesia | Jamie Ward | TEDxCambridgeUniversity (video)
o What color is Tuesday? Exploring synesthesia | Richard Cytowic | TED-Ed (video)
o Connecting the Modern Audience to Classical Music - An Interdisciplinary Approach,
Abigail Mullis (article)
o I Maestri della Visual Music, A. Abbado (book)
o Lo Spirituale nell’Arte, W. Kandinsky (book)
o "Art and Synesthesia: in search of the synesthetic experience" ,Dr. Hugo Heyrman
https://www.doctorhugo.org/synaesthesia/art/index.html
o A journey Through the Arts - A synopsis of the book “The Specrtrum of the Arts: Time and
Space in the Human Experience of Art”, Joseph Bloom
http://ajourneythroughthearts.com/index.htm